Formados en 2022, esta banda es el hogar definitivo de cinco músicos asentados en Santiago pero con orígenes disímiles. Aunque de cierta forma, todos eran cercanos a la escena indie local, en este quinteto toman forma sus intereses tras un deambular por otros proyectos que quedaron en el camino por pandemia y otros cambios. Es, en cierta forma, la unión de gente fanática de la música que se aventuró a ser también uno de ellos.
Allí se encuentran tres tecnólogos médicos, un abogado y un ingeniero eléctrico que se juntaron con un objetivo claro: tener una banda, grabar y tocar en vivo. Kimi Burgos, Felipe Del Río, Alonso Jeldres, Vicente Díaz y Felipe Barraza son Fórmula Rosa.
Bajo la producción de Martín Pérez Roa – Merci (Chicarica, Chini.png) y las composiciones de del Río como base del proyecto, el plan de grabar un single inicial mutó de inmediato a la producción de un larga duración que funcionase como una completa carta de presentación de quienes serían como banda.
El trabajo en estudio comenzó en enero de 2023 y se alargó por varios meses bajo un nuevo método de trabajo que implementó Merci, siendo trabajado en varias sesiones y juntas creativas de grabación a lo largo del tiempo.
Así, por ejemplo, la grabación de voces fue trabajada codo a codo con Kimi Burgos experimentando ideas, nuevas sonoridades y segundas voces, alguno de los elementos que hacen de Autoficción un disco con una uniformidad sonora trabajada y llena de detalles trabajados meticulosamente.
Lanzado el 20 de octubre de 2023 bajo Tres Tigres Records, el álbum los ha consolidado dentro de la escena santiaguina bajo los rótulos de “post punk” y “dream pop” pero que cuando nos adentramos en su propuesta resulta mucho más que eso.
Te invitamos a dedicar la próxima media hora de tu día a escuchar Autoficción, de principio a fin, leyendo este X Track, en palabras de de sus autores:
Inminente Caída
Felipe del Río (F.D.C): “Inminente Caída nace como la segunda canción que hacemos como banda. En ese tiempo estaba super pegado con Fontaines D.C. Los conocimos un poco antes de la pandemia y es como una banda en común que tenemos todos. Estaba escuchando el album Skinty Fia por primera vez y cuando sale “I Love You” me gustó mucho la intro que tiene, un bajo y una guitarra arpegiada que entra de a poco que me recordó mucho a I wanna be adored de los Stones Roses y, dije ‘ya aca tengo una buena intro, ladrón que roba a ladrón tiene cien años de perdón . Alonso me mandó una batería y le empecé a hacer el bajo encima. Igual eso es raro. Por lo general las canciones se empiezan como con una guitarra de palo, acordes, voz. Nosotros somos como batería, bajo, guitarras, voz. Como que nos damos la vuelta un poco al revés y así fue varias veces. A esa canción mucho rato le decíamos “La Fontaines”, hasta como una semana antes que saliera el disco.
En cuanto a la letra, Vicente la escribió inspirada en Ícaro. Cuando la leí, era como un relato del cuento básicamente y fue como ya, nos gusta el tópico pero como que necesitamos darle una vuelta. En esa época estaba terminando de ver Better Call Saul y estaba muy rallado con eso. Al final igual como que hay una relación entre la mitología y la serie que es básicamente cegarse de ambición y terminar fracasando en el proceso, lo cual en ambas historias se siente como algo que si o si pasará en algún momento. El título hace referencia a ello.
Vicente Díaz (V.D): “Que abriera el disco fue una decisión que conversamos para que fuera nuestra carta de presentación a la gente, más allá de los sencillos que teníamos ya publicados. En ese sentido encapsula el sonido en general que queríamos tener como banda”.

Gritos de despedida
F.D.C: “Esa canción nace en la pandemia. Estaba tomando clases de composición con Simón Campusano (Niños del Cerro) ya que yo había empezado a componer no hace mucho y tenía problemas con el tema de escribir, nunca estaba conforme con ello y bajo esta misma necesidad nace el tema de las clases.
En este proceso de aprendizaje nace esta canción la cual trata básicamente de una ruptura amorosa, de un vínculo medio tóxico que no se puede dejar ir. La idea era crear la sensación de estar inmerso en un carrete en el que no quería estar, algo medio claustrofóbico y de querer irme pero a la vez no poder, en analogía a esta misma relación. La génesis fue estar encerrado conmigo mismo en mi depa en pandemia, muy como este meme de Miyazaki de Studio Ghibli que está ahí fumando, creando, estresado más o menos eso. La letra tiene varias imágenes, con Simón trabajamos mucho ese tema de la creación de imágenes. Siempre me decía ‘tú tenís que generar que la persona que escuche se imagine algo, crearle una imagen mental”
Una parte de la letra dice ‘mira esas líneas irse’ que es un chistecito ya que siempre me ha causado gracia que a letras muy equis de artistas le atribuyen adicciones a las drogas por alguna frase de una cancion, que muchas veces habla de algo na’ que ver muy como ‘No, es que esa parte es cuando era adicto a la cocaína’ jajajaja.
En cuanto a las influencias nos suelen decir que les recuerda a The Cure , pero en realidad la idea inicial era hacer algo medio inspirado en el Humbug de Arctic Monkeys.
V.D.: Igual yo encuentro que tiene ese sonido The Cure, más oscuro… a pesar de que tenga un sintetizador medio agudo en algunas partes. Es bien melódica, y en eso juegan harto las guitarras con las distintas capas que hacen los teclados. Lo conversamos con Merci en su momento y le subimos en algunas partes para que sonara más punzante, también la voz.
Kimi Burgos (K.B.): Esta canción la trajo Felipe y venía toda lista, con las líneas melódicas y todo. Con Merci nos permitimos jugar en el estudio haciendo muchas voces, íbamos probando. Yo igual soy super melódica en ese sentido, y con Merci le dimos el toque de grabar todo lo que se nos ocurriera. Muchas capas, melodías por detrás, doblar voces también. Generalmente, a excepción de esta y Realidad, yo armo la melodía y Felipe luego pone la letra, para que todo se acomode a mi voz y vamos viendo lo que nos produce la canción. En las otras bandas en las que estuve, yo tocaba teclado y ahora también es un desafío ser frontman, tocar guitarra y tener otra postura al estar al frente.

Realidad
F.D.C.: También nació en la pandemia, en este tiempo de las clases de composición. En esa época estaba jugando harto Cyberpunk 2077 y también estaba muy pegado con el último disco de Grimes, siempre me ha gustado mucho, es de mis artistas favoritas más allá de que últimamente no esté de acuerdo con sus decisiones maritales jaja. De hecho se llama así por “Realiti” de Grimes. La letra trata sobre una distopía futurista muy Cyberpunk y de una historia de ficción, soy bien fan de los Arctic Monkeys y en esa época estaba viendo cómo Alex Turner escribía de ciencia ficción para el Tranquility Base Hotel & Casino (2018). Yo tenía un tema con escribir sobre cosas imaginarias, ya que siempre escribía sobre cosas que me pasaban, bajo esta necesidad nace esta letra, crear un escenario ficticio. Es básicamente una pareja tratando de encontrarse y de poder concretar de buena manera su relación la cual se ve imposibilitada por factores externos, sociales, políticos, propios de una distopía. Juego harto con imágenes muy Cyberpunk, luces de neón, pantallas etc.
Musicalmente tiene harto de dreampop, harta referencia a Beach House.
Persona
F.D.C.: Me fui de viaje y yo sabía que nos faltaba una canción motivada y no teníamos mucho tiempo a nuestro favor ya que pronto teníamos que entrar a grabar. Entonces me fui escuchando mucha música, ideando cosas. La armé, literalmente, como un collage en mi mente. Dije ‘quiero que tenga este tempo, esta escala, estas referencias’. Las referencias más cercana fueron del último disco de Paramore (This is Why, 2023) que estaba rayadisimo con este Post punk revival muy de Bloc Party que es mucho mas ritmico. Otra referencia, de nuevo, fue Fontaines D.C. que fui a verlos en vivo en Irlanda y esa vez tocaron “A Lucid Dream”. Esa canción no la había valorado tanto hasta ese momento y vi la euforia que generó en el público, muy lo que andábamos buscando para la canción.
Una canción pesada que genera esta sensación de euforia y a la vez de atrape.
Por eso salió rápido. En el interludio, que es la parte que nos costó cerrar más, le dije a la Kimi ‘en esta parte tenís que gritar, escucha a Hayley Williams, pa allá va la cosa’. Sirvió para sacarla de la zona de confort y que mostrará otra faceta.
K.B.: Me inspiré mucho en la puesta en escena de Fanny Leona (Playa Gótica). Siempre que me tocaba gritar me inspiraba en la fuerza que tiene ella en vivo, así como gutural. Entonces pensaba en ella y en Hayley.
F.D.C.: La letra nace porque en ese tiempo era cercano a una persona que estaba pegada con BTS y un día me contó que tenían referencias a la Psicología Analítica de Carl Jung, como que cada uno era un arquetipo algo así, muy en la onda del inconsciente y etc. Dentro de esos arquetipos estaba la idea de la “Persona” que tiene que ver mucho con cómo uno se muestra al resto, se representa en estas máscaras de teatro antiguas haciendo referencia a que muchas veces ocultamos ciertas partes de nuestro ser, ya sea para encajar como para aparentar algo que no somos y me interesó harto el tema, justo Alonso me contó un sueño que tuvo y era super raro. Soñaba que se levantaba, se veía al espejo y era alguien de aspecto horrible lo que le generaba mucho miedo verse asi, me dijo que escribiéramos una canción sobre eso y justo iba en la línea de esta cosita que había estado indagando, entonces calzó perfecto y ahi juntamos ambas ideas.
K.B.: Yo le quería poner Persona 5, porque somos cinco en la banda. Después me enteré que hay un juego que se llama así y que trata también del mismo tema.

Calles vacías
F.D.C.: Nace porque uno de mis temas favoritos es “Imágenes Tuyas” de Amarga Amarga. Me gusta mucho el groove que tiene y lo motivada que es, a pesar de que tiene un BPM bajo como de 90. Le dije al Alonso que necesitaba una batería con esas características y como le gusta harto el hip hop agarró papa altiro. Como referencias también aparecen Warpaint. Mi bajista favorita es Jenny Lee, he armado mucho mi sonido en base a como ella lo hace, tanto desde los pedales como también en mi forma de componer líneas; bajos melódicos pero a la vez sin perder el groove. Hay una canción que en vivo toca los versos muy distorsionados y en el coro es más bien limpio, quise jugar con esa dualidad y al final los versos tienen un bajo muy distorsionado, poquitas notas, y después más groove en los coros.
V.D.: También acá nos atrevimos a salir de nuestra zona de confort y probar otros sonidos, la intro ya muestra que hay distintas influencias para cada uno de los instrumentos. Le metimos unos arpegios en el coro que contrastan harto con lo que suena en las otras partes y eso nos lleva a considerar varios estilos dentro de la misma canción.
F.D.C.: La letra es la más política que tenemos. Está inspirada en algunas de las 400 elecciones que perdimos cuando Chile se volvió a dormir jajaja. Salí a la calle un lunes posterior a una de esas elecciones y estaba todo muy muerto, harta desolación y conformidad a la vez. En ese entonces fue muy cercano a cuando murió la Reina Isabel y hablaban del ‘’London Bridge’’ que era todo el plan que tenían, todo el protocolo de la ciudad para cuando el deceso ocurriera. Entonces estaba quedando la cagá allá y acá a distintas escalas, por lo que quise jugar con la idea del puente, que al final termina siendo un supuesto punto de unión entre distintas partes, pero que en el caso de Chile esa unidad no había llegado a puerto. En una parte dice “el puente que inventamos” yo quería ponerle “el puente de Santiago”. Los cabros me dijeron ‘¡No, qué cringe!’ jajaja.
Pero la letra va por ahí: el descontento y la desolación que nos dejaron esos días.

Cenizas
K.B.: La única canción que escribí con Felipe para el disco. Me basé en esa sensación de cuándo te estás enamorando recién de una persona y sientes que va todo súper bien. Después va decayendo esa ilusión, van pasando cosas y luego la relación queda en nada (cenizas). Parte muy bien tipo ‘me gusta estar cerca tuyo, me gusta compartir contigo’ y por eso dice ”‘No te dejes quemar”, que es como ‘no dejes que se acabe’ o ‘no dejes que los problemas arruinen la relación’’.
F.D.C.: Yo le puse a la letra la parte del pesimismo. Es una canción de amor, pero también de incertidumbre. Puedes estar muy enamorado de una persona, pero esa persona también acarrea cosas del pasado. Al final terminas poniéndote una mochila ajena, cargada con miedos que te terminan perjudicando al final del día . En ‘’ Ojos Favoritos’’ de los Protistas hay una parte al final que dice ‘tengo que entender que tú no eres de verdad’, que en ese caso creo que habla de algo medio extraterrestre, una especie de fantasía (o así la interpreto yo) y me agarré de ahí para la parte que dice ‘’ No se si eres real’’, jugando un poco con esta fantasía o idealización de la otra persona. Al final hay una referencia a Ashes to Ashes de Bowie, como hablábamos de Cenizas, la melodía del final la Kimi se la robó al coro de Ashes to Ashes, no es muy notorio a primera vista pero, ahora que lo dije, lo van a notar.. Originalmente estaba pensada muy Post Punk, bien Interpol pero al grabarla quedó más dreampopera.
V.D.: Fue un desafío porque la empezamos antes del viaje de Felipe y nos dejó como misión terminarla. La Kimi nos iba contando lo que tenía y recuerdo que fuimos armando el interludio y luego, cuando volvió Felipe, la cerramos y le dimos el toque. El outro fue lo que más nos costó armar musicalmente, no queríamos que quedara plano, pero pudimos llegar a ese punto en que lo vamos subiendo y luego viene la parte de “no si eres real” que quedó bien buena como cierre y que tuvo como inspiración directa a “Obstacle 1” de Interpol.

Subacuática
K.B.: Nació sin Felipe, entonces como que sale de lo común. Como estaba de viaje y teníamos otras canciones que no nos gustaban tanto, había que hacer algo al respecto. Fue de las últimas canciones en aparecer, la sacamos en un ensayo y le mandamos la idea.
F.D.C.: Barraza, el guitarrista, creo que llegó con la idea a un ensayo, onda la guitarra con la estructura y eso fue bacán porque era una canción menos que hacer.
Cuando la escuché la sentí muy shoegaze, muy Deceiver (2019) de DIIV pero fue cómo… ¿Cómo queda esto en el disco? pero en el fondo, es un sonido del que no podemos escapar. Yo hago poco y nada en esta canción, fue todo muy al revés. Traté de meter el bajo al final, meterme ahí donde hubiera espacio y terminó siendo una de las líneas de bajo que más me gustan del disco y de las canciones que más me gusta tocar en vivo.
V.D: Felipe Barraza llegó con esta idea, así que empezamos a trabajar justamente con las guitarras que trajo, unas más piolas en el verso y la del coro que es más heavy. Vimos las distintas partes que le podíamos armar y con ello ya nos sentamos a darle una estructura más clara y siento que igual lo sacamos bien así. La temática viene de una idea de él y junto con Felipe Del Río hicimos dos letras. La mía era mucho más atrapada, algo full depresivo y la de Felipe era más romántica, así que juntamos partes de ambas y complementando armamos la letra final. Se llama Subacuática por el concierto Subacuático de Charly Garcia el cual Barraza estaba viendo cuando hizo la canción, se suponía que era un nombre provisorio pero terminó quedándose.
F.D.C.: La verdad, si te soy sincero, no me acuerdo mucho cómo nació la letra. Hablaba un poquito de amor y fue como una lluvia de ideas al final. Muy subjetivo todo, fue como ‘que interpreten lo que quieran con esta canción’.
V.D.: Al final dejamos los versos de Felipe y los coros que había puesto yo.
K.B.: Yo tengo una teoría con esta canción. Cuando la canté, me imaginé a alguien que estaba abrumado, ahogado y que tiene a alguien, una persona, que es como su luna, como que lo ilumina. Es alguien que se está ahogando y lo ayudan a salir. La canción es como salir del agua y nos fuimos apropiando de que se llamara Subacuática, cuando grabamos con Merci ocupamos eso para generar un contraste entre los versos y el coro, dando la sensación de que en unos se encuentra sumergido y en otros sale a la superficie.

Los reflejos
F.D.C.: La primera canción que hacemos como banda, onda todos. Nace a partir de muchas referencias desde Black Country New Road al final que es full inspirado en la neopsicodelia que hace Deerhunter en el Microcastle y, por lo mismo, no tiene un estilo muy claro.
En cuanto a la letra la idea principal nace de Alonso, nuestro baterista, que se cambió de pieza dentro de su departamento y ya no podía ver el atardecer, pero en su vista nueva había un edificio al frente que reflejaba el atardecer y era la única forma que ahora podía verlo. La canción tiene la dualidad de que la letra es media desoladora, pero la melodía es feliz. El coro parte de la idea del color azul, que en español no se utiliza pero en inglés se usa harto para hacer referencia a la tristeza. Como estilo, no sé qué es. Es la más distinta de todas, la melodía es muy feliz a diferencia del resto y por eso mismo la dejamos al final, aunque a penas la creamos dijimos que la canción era muy de cierre de disco.
K.B.: Siento que es como la versión opuesta a “La tarde naranja” de Martina Lluvias. Acá la tarde es azul, pero en la de ella es naranja porque le llega el sol y está full amor con su pareja. Es como el lado B, el split.
Créditos Autoficción (2023)
Grabado en Estudio Niebla por Martín Pérez Roa
Asistente de grabación: Emanuel Irarrázaval
Producido y mezclado por Martín Pérez Roa
Masterizado por Francisco Holzmann
Alonso Jeldres: Baterías y percusiones
Felipe Barraza: Guitarras
Felipe Del Río: Bajos, guitarras y voces
Kimi Burgos: Voces y guitarras
Vicente Díaz: Sintetizadores