Tras un recorrido de más de una década, Animales de Lumiere lanzó este 2024 un disco que encumbra al proyecto de la región de Coquimbo entre lo más interesante del cancionero local actual.
En ocho canciones registradas mayoritariamente en Buenos Aires, Argentina, el trío compuesto por Satu Lemus (voz, guitarras), Felipe Cortés (bajo) y Gabriel Herrera (batería, secuencias) por fin se siente en sus anchas y conformes del camino recorrido que ya sumaba dos álbumes anteriores, registros en vivo y un par de EP’s.
Con líricas sumamente íntimas que no se quedan solo en el yo, si no que se expanden a sentimientos transversales como la pena, la reflexión y el crecimiento personal, “El fuego que nos guió” representa una foto perfecta del actual momento del trío, que viene de una extensa gira por Chile presentando estas nuevas canciones y que tendrá su punto estelar en el Rockodromo de Valparaíso en diciembre próximo, esta vez como dignos representantes de su región.
Las fechas en Santiago, Concepción, Valdivia, Temuco, Viña del Mar, Antofagasta e Iquique en palabras de Satu: “La gira estuvo muy buena y fue una experiencia muy linda, pero muy intensa también. Cada tramo fue bien exigente en en términos de tiempo, de viajar, y coordinar toda esa logística. Una de las cosas más interesantes fue, además de convocar nuevas audiencias, conocer presencialmente a personas que seguían a la banda desde todos esos lugares. Eso fue muy lindo”.
Ver esta publicación en Instagram
Sobre la presencia en el festival de Valparaíso, la banda lo ve como “un reconocimiento a todo el trabajo que hemos estado haciendo hace ya varios años y que se ve reflejado en lo que mostramos este 2024”.
“Estamos super contentos y expectantes de lo que será esa experiencia, nunca hemos estado en ese escenario tan grande y que convoca a tanta gente. Llevaremos un show muy bueno y queremos aprovechar de mostrar todos los recursos que tenemos disponibles”.
La portada de “El Fuego que nos Guió” presenta la escultura “El Descendimiento” de Virginio Arias, simbolizando la luz como energía vital y la granada como símbolo de fortaleza y aprendizaje. El arte del disco, su concepto gráfico y las fotos que acompañan esta entrevista están a cargo diseñadora gráfica, fotógrafa y artista plástica Andrea Díaz (@andreadiasnublados / @andreadiasnublados.photo).
Puedes darle play al disco y leer, canción por canción, de que se trata este nuevo álbum de Animales de Lumiere.
Atrapado
Satu (S): Esta fue la primera canción concebida del álbum, fue la punta de lanza para el sonido que se vendría gestando. Recuerdo que siempre pensamos que debía ser un single.
En ese momento estaba muy pegado con el post punk ruso; hice una base con percusiones rápidas (propias de ese género) y con una guitarra con mucho chorus. Fue bacán que luego de enviar la propuesta a los chicos de Black Vitamina (Carlos Contreras y Nico Parra, los productores en este disco), ellos pudieran aportar con algo mucho más rockero; en ese momento sentí que debíamos volver a las guitarras (distorsionadas) con mucho más protagonismo. El juego de voces me encanta, y el aporte de Carlos en los coros me pareció notable.Siempre quise que en coros sonara otra voz que no fuera la mía, doblada. En este tema el pre-coro es mi parte favorita. Sin duda Atrapado será de los infaltables en cada setlist.
Gabo (G): Me gusta pensar en este tema y en la letra como un motor de arranque para todo lo que salió después para este disco. Fue la primera maqueta, y también fue la primera vez que trabajamos de manera externa la producción de alguno de nuestros temas.
La maqueta original nos gustaba bastante, pero cuando recibimos la propuesta de parte de los chicos de Black Vitamina supimos que este era el camino sonoro que había que seguir. Siempre la pensamos como una canción de carretera y me gusta sentir que se logró esa sensación de velocidad cuando uno la escucha.
Felipe (F): Es nuestro primer single y el primer atisbo de lo que sería trabajar con productores, gente externa a nuestro círculo de amigos, conocidos. Fue básicamente el puntapié para salir de nuestra zona de confort y creer en que nuestras ideas podían maximizarse. Si se compara el demo con la versión del disco, van a saber de qué hablamos. De todas formas, me gusta mucho tocarlo en vivo.
Quisiera sentirme
S: Salió de lleno en un ensayo en Sala Rugido (un lugar muy bueno donde ensayamos un tiempo). Yo soy muy fan de The Edge y cuando salió la figura de la guitarra al principio pensé mucho en los primeros discos de U2 y en canciones como New Year’s Day. Me emociona escuchar esta canción; habla sobre una persona que se siente tan mal consigo misma, que no logra ver lo capaz y bella que es, mezclando también sentimientos de culpa por no ser suficiente para ella y los demás. “Quisiera Sentirme” es el anhelo de alguien que no se siente absolutamente en nada. Es una llamada de auxilio. Es duro estar en esta situación; ojalá todos pudiéramos contar con alguien que nos diga todos los días lo valiosos que somos.
G: Con este tema reconectamos lo que es crear en un 100% una canción en un ensayo (omitiendo la letra). Es que fue eso, estábamos ensayando para una presentación mientras me puse a improvisar con “Mana” y “The Police” en la mente y todo lo demás se dio solo.
Añadimos un pequeño solo de guitarra que en realidad son poco frecuentes en nuestra música pero creo que a este tema le vino de maravilla.
F: Fue una de las canciones que nacieron a partir de una sesión de improvisación, totalmente casual. Creo que el Gabo le dio duro a Stewart Copeland esos días, porque se nota mucho en la vibra. También probamos dos tipos de sección final, una mas lenta y pesada, y otra más acelerada y acentuada. Suponemos que elegimos la mejor opción, porque en esto no seguimos los consejos de nuestros productores.
De nos
S: De los temas más dulces del disco. Es una canción que habla sobre agradecer el conocer a alguien que te hace la vida tan especial, incluso en los momentos más cotidianos. Comenzó de una base muy electrónica y terminó con guitarras bien distorsionadas. Los chicos de Black Vitamina pudieron darle una dirección muy interesante. Este tema ha sido un desafío para mí, puesto que me sacó de mis límites con respecto a la ejecución vocal; es muy exigente. Ese fue unos de los aspectos que disfruté en este disco; ir siempre un poco más allá. Nota aparte; la parte C es bellísima, imagino como que todo el mundo se detiene ahí, para volver con la energía del coro.
G: Sin duda la canción que más cambio desde la primera idea que mostró el Satu hasta lo que se convirtió después. Cuando revisamos esta idea para trabajarla a mí me sonaba como una canción de cuna, una canción agradable pero le faltaba fuerza. En ese momento yo estaba rayando mucho con Deftones y a modo de juego fui haciendo baterías en ese
estilo asunto que gusto bastante y de ahí en adelante trabajamos pensándola en
una canción más pesada. Me gusta mucho de esta canción la frase “Sigo pensando que no hay nada de azar aquí” y lo fácil que es identificarse en cualquier momento de la vida con esas palabras.
F: Uno de los primeros demos que Satu trajo para el disco. Al principio era una canción muy electrónica y pausada, que luego tomó una fuerza bastante potente, con mucho overdrive y distorsión. En cuanto a su letra, habla de las relaciones personales tanto de pareja como de banda. Este fue otro de esos ejemplos donde más mano de los productores mejoró el elemento, dándole otro curso y otra vida.
Non plus ultra
S: Siento que es la canción más oscura del disco. Pensaba en atmósferas de canciones como “A Forest” Es el manifiesto de un alma cansada, que sólo quiere que la dejen ir. “Non Plus Utra” es “No Más Allá”; es el querer terminar con este camino, ya que no hay nada que valga la pena. El outro me gusta mucho, lo encuentro muy contemplativo.
G: Una de mis canciones favoritas para tocar en vivo, sin embargo, no siempre fue así. Creo que fue la batería que más me costó montar. Probé muchos tiempos y ritmos distintos en cada una de las partes de la canción hasta que iba dando con algo que me gustara y avanzaba con otra sección. Muchas de las partes que quedaron finalmente fueron partes que improvisaba en ensayos y quedaban a mi gusto mejor que en la maqueta que estábamos trabajando. Actualmente para este tema es uno de los que tiene que ir sí o sí en el setlist. Me gusta mucho el juego guitarra/bajo que se da y cómo se transmite esto en el escenario.
F: Una de mis favoritas, como para escucharla mientras manejas un auto por la carretera de noche. Tiene una onda post punk, media drum and bass, que ha hecho que se vuelva una de mis favoritas para tocar en vivo.
Algo de ti
G: La canción distinta del disco. A medida que la trabajamos en esta canción y avanzábamos hacia un resultado que nos gustara se hacía más evidente que nos faltaba algo… una voz distinta, específicamente voz femenina que acompaña el relato que se cuenta en la letra. Cuando los tres coincidimos en eso al tiro propuse a mi amiga Grantssun para que se una en esta canción y ella aceptó de inmediato. Hace mucho tiempo que quería trabajar con ella y fue genial que se diera en este feat donde la mezcla de estilos queda demasiado bien.
S: La canción que escapa a la regla en este disco. Recuerdo haber hecho la base melódica un día y haberla encontrado tan buena que no pude salir de eso. Intenté variaciones de pre-coro y coro, y ninguna me parecía suficiente. Finalmente hablé con Nico y le dije; “Ayuda por favor!!!, no puedo salir de esa base de bajo” Finalmente lo analizamos y quedamos en que la base sería la misma durante toda la canción y que trabajaríamos los matices sustentado en agregar percusiones en ciertas partes o ir jugando con los teclados y secuencias. Al final son casi 3 minutos de la misma base melódica. Aún así, se siente fresca en todo momento.
F: Una salida de lo cotidiano y lo orgánico. La Pauli (Grantssun) le da un toque de magia que la vuelve un tanto veraniega, como una de esas canciones que ponen en los locales frente a la playa al atardecer. Ojalá este tipo de experimentos se vuelva una constante en nuestra carrera.
El fuego que nos guió
S: De mis temas favoritos de Animales. Lo disfruto mucho ya que puedo dedicarme por completo a tocar la guitarra, a sentir cada nota. Me gusta el aporte que hizo Gabo para la intro, metiendo ritmos a contratiempos que le dio un carácter bacán. El Fuego es como el viaje de un héroe; sin decir una palabra, trata las etapas de incertidumbre, de reflexión, del poder enfrentarse ante los desafíos, y por sobretodo de poder reconocer una razón para la cual vives día a día. Es un tema que siempre genera buenos comentarios y emociona a las personas. Una especie de momento de comunión donde cada uno puede entrar en sus propios procesos; conectarse sólo con los sonidos. Otra cosa que disfruto mucho también es ver a Felipe dándolo todo ahí y a Gabo en el interludio mostrando todas sus destrezas como baterista. Amo los teclados y todas las secuencias que hizo Carlos, otorgando un carácter muy caótico al final del interludio. Cuando buscaba el carácter de este tema pensé en bandas como Alcest y Föllakzoid; una mezcla entre post-rock y krautrock que resultó genuina. Es un tema épico que representa muy bien la etapa actual de la banda.
G: La última canción que creamos para el disco y sin duda mi momento favorito en cada una de las presentaciones que tenemos desde que la empezamos a tocar. Canción igual creada en un ensayo donde grabamos una improvisación larga, como de 12 minutos, donde luego se eligió lo mejor y se ordenó en forma de canción. Me gusta que esta canción sea la que le da el nombre al disco. Representa muy bien en quienes nos convertimos musicalmente después de estas 8 canciones y creo representa de excelente manera a donde queremos ir sonoramente de aquí en adelante.
F: El instrumental del disco, así como su leit motiv. Acá volvimos a probar otros ritmos como en La Casa de las Artes. Es una canción dura, pesada, el peak de los últimos shows en vivo. Como dato curioso, fue la última canción que estuvo lista del disco, terminada una semana antes de viajar y grabar en Argentina. La aprendimos en tierra trasandina, y fue grabada casi íntegramente en su primera toma. Antes no me sentía un músico tan pro, pero después de tal hazaña, puedo decir con toda certeza de que algo le ponemos.
Eluney
Gabo: Sin duda la canción del disco más especial para mí. Era octubre del 2021 y mi gato se enfermó de manera muy repentina y mientras iba camino al veterinario con mi gato iba escuchando un disco recién salido de “Ulver” era un EP de instrumentales pensado en Halloween. Una canción en específico me hizo sentir que debía decir adiós a mi gato y lamentablemente no pasó mucho tiempo desde ese sentimiento hasta que la vida se le acabó. Desde ese momento quise honrar su memoria con una letra, una canción… Y fue Satu quien llegó con unos acordes en piano, una idea muy básica, pero supe de inmediato que esa sería la base para lo que tenía en mente.
Nos juntamos en su casa, las baterías las escribí en el mismo teclado y en una noche le fuimos dando forma a lo que sería todo lo instrumental de la canción. A las semanas le envié un bosquejo de letra que él corrijo y complemento de manera muy acertada, y es la letra que quedó finalmente.
S: Un tema muy bello que me emociona hasta las lágrimas. Gabo en un momento comentó que le gustaría hacer una canción a Eluney, un gato que él tuvo, que amó mucho y que lamentablemente dejó este mundo; todos dijimos que sí enseguida. Musicalmente tiene una onda muy dulce, muy grandilocuente, muy emo. Me gusta el sonido logrado en las guitarras y los pads que creé para esta canción. Trabajamos en conjunto la letra con Gabo, pudiendo conectarme con pérdidas que yo también tuve; con Iggy mayormente, un gato que llegó a mí cuando estudiaba en la universidad y con el cual nos acompañamos mucho.
F: Otra de mis favoritas del disco. Nació de sesiones de improvisación y reuniones en el departamento del Satu; lo demás, incluidos los niños jugando a la pelota de fondo en el segundo verso, fue obra y gracia de Black Vitamina. Dato no menor, la letra fue escrita por el Gabo en honor a su gato.
Procesión
S: De mis temas favoritos también. Muy influenciado por sonoridades que escuché en temas de El Último Vecino, un proyecto español que me encanta. Habla de encararse a sí mismo, de decir “Suficiente. Es momento de enfrentar tus demonios” , “No te he esperado tanto tiempo para perder” se dice el hablante, como invocando a su propia conciencia a tomar cartas en el asunto. Esta canción la produjo Carlos, y aportó con guitarras muy bellas y también su voz. Es el tema “single” por excelencia del disco, en mi opinión, algo que también hemos visto reflejado en el feedback que ha tenido con la gente. Con esta canción comenzamos nuestro tour.
G: Junto con Non Plus Ultra son de las canciones que más tiempo me demoré en agarrarles cariño, pero ahora en las presentaciones en vivo me ha gustado bastante la recepción que ha tenido. Me gusta que sea el tema que cierra el disco ya que tiene una intencionalidad muy similar a “Atrapado” que abre este, pero desde otro sentimiento o sentido musical. Es como si el principio y el final del disco estuvieran conectados de manera que ese primer tema evolucionó hasta convertirse en lo que sentimos con Procesión.
F: Otra drive song del disco. Recuerdo que hace tiempo, cuando vivíamos cerca, con el Satu fuimos a ver una procesión de bailes chinos un domingo por la tarde. En lo que hablamos y vivimos ese día, llegamos a la conclusión que la palabra “procesión” sería un buen título para una canción.
