Madam & Samurai Groove desintegran su disco debut homónimo canción por canción

Madam & Samurai Groove

Francisca Riquelme tenía tres temas bajo el brazo cuando se encontraba en la búsqueda personal de su propio sonido. Era primera vez que componía por sí sola e hizo de esto un sano auto descubrimiento. Por lo mismo, no perseguía de manera forzada el proceso creativo, ya que quería que las cosas estuvieran hechas de una forma que se sintieran correctas.

Esto hizo que la creación de Madam & Samurai Groove tuviera como base un colchón de mucho cuidado, dedicación y sinceridad, más aún siendo todo tan personal. “El trabajo con Newen Afrobeat siempre ha sido hecho de una forma demasiado colectiva, me subí a un carro que ya estaba andando. Esto no, esto empezó a andar desde cero”, explica Francisca.

La amistad y el verdadero trabajo en equipo también fortaleció un montón la creación de la placa, y así Francisca con Klaus Brantmayer, Diego Alarcón, Iván Araya y Roberto Gevert lograron plasmar diversas temáticas que fusionadas hacen a Madam & Samurai Groove: desde la conexión con el elemento agua con la oscuridad, los misterios de la vida que quedan por resolver, la introspección y la reflexión.

Cuando se le pregunta a la vocalista qué simboliza el disco, nos cuenta que “representa un pleno estado de transmutación y me gustaría que la gente lo escuche con esa apertura, que se tomen el tiempo de entregarse a este viaje que ofrecemos, con mente y sin juicio. No buscamos otra cosa que indagar y explorar, este no es un disco que fue hecho con el objetivo de que suene en las radios”.

Así, este disco debut es un ticket para subir a una montaña rusa emocional que promete subir, bajar y dar vueltas en 360 grados por tus pensamientos. Con cada escuchada surgirá algo nuevo, el misterio no tiene por qué ser tomado de forma peyorativa sino que por el contrario, puede ser muy virtuoso al momento de construirnos como personas.

Y las raíces orientales no pueden quedarse afuera ya que son parte fundamental de la columna vertebral del proyecto, un gran elemento unificador que pudo pegar todo este mosaico musical que une elementos pop, funk, soul, R&B, jazz, rap, boleros y muchos pincelazos más que entrelazados con aquellas raíces generó la idiosincrasia de la banda.

Por lo mismo, Francisca sentencia que “ha sido un proceso de mucho aprendizaje en todos los aspectos; he aprendido mucho de mis compañeros de banda que son músicos muy estudiosos, virtuosos y talentosos. Me siento muy afortunada de poder haber trabajado con ellos en este proceso que al mismo tiempo responde una búsqueda, a mi primera búsqueda artística”.

Recomendamos leer esta entrevista escuchando “Madam &Samurai Groove”. Ponle play y disfruta…


Samurai Story

Es el tema que introduce e invita a los auditores a un viaje por el antiguo Japón. Conecta con la cultura oriental y abre esta experiencia auditiva para conectar con esta excursión, que está trenzada con el mito del agua.

Y bueno, usamos la escala pentatónica, que se usa mucho en la música tradicional oriental, y la verdad es que fue bien fluido. Lo hicimos más o menos a la mitad de este proceso de composición de temas para el álbum y teníamos ganas de hacer algo un poco más abierto y con menos letra. Para ello nos basamos en el haikú, una estructura de la poesía japonesa muy antigua que está compuesto por 3 versos de 5, 7 y 5 sílabas; es tan simple y breve se puede abrir todo un mundo a nivel de imaginación y sentimientos para asociar con los misterios de la naturaleza. Eso lo plasma la música gracias al teclado abierto, el bajo que es pegado y también con mucha reverb al igual que la caje.

Klaus: y si bien no usamos una escala exactamente japonesa, la sensación que tiene el tema es de alguna forma igual media oriental y épico. Como si fuese el soundtrack de una película de samurai antigua.


Beat 5

“Beat 5” es un tema más lo-fi; tiene dos versos: “siente el mar como moja tus pies suavemente, mira el atardecer como se va”. Simplemente es conectarse con aquél sagrado momento de goce, de conectar con lo más simple, y al mismo tiempo lo más hermoso y sublime, que es la naturaleza. Sentir la textura del mar en tus pies y, no sé.. hacer conectar a la gente con esa sensación rica y placentera como de bienestar.

Te lleva a vivir ese tránsito. Si bien termina con la letra, primero la introduce el saxo y después un intercambio, un chasing como se le dice técnicamente, entre el saxo y la voz. Y después paso yo a transmitir esa misma sensación de felicidad, adrenalina y regocijo a través de fonemas.

Siempre me ha gustado la exploración vocal. Soy actriz, viví mi periodo de formación con la posibilidad de jugar mucho con la voz, entonces al tener siempre esa tendencia de querer conocerla y explorarla, la búsqueda sin limitaciones quedó como la excusa perfecta para poder dejarme llevar y fluir en el proyecto. Lo hice jugando con el scat en esta canción.


Intro Presencia

Es una intro larga que dura un poco más de un minuto. Está bien bueno que la gente pueda escuchar este track, que es más abolerado, y volarse con este pedacito para luego pasar al otro lado de la historia. Fue una decisión más colectiva que propia que fuera puesto como un tema aparte, igual están pegadas.

Presencia

Klaus: es bacán el contraste que se forma entre la intro bolero y “Presencia”, que después se vuelve tan funky. Creo que los elementos ahí del Enrique Camhi (trompetista de La Combo Tortuga) y Martín Concha (guitarrista de Newen Afrobeat y De Kiruza), hacen que el tema tenga una electricidad y un power que logran tirarlo para arriba y lograr unos de los momentos más álgidos del disco

“Presencia” es un tema que a mí todavía me cuesta escuchar a veces, me emociona mucho porque es un tema que tiene que ver con una vivencia personal muy íntima, una remembranza de mi vida, de una relación de amor pero que al mismo tiempo fue de abandono. En realidad no dimensioné que iba a quedar plasmada en el disco, de hecho solo escribí la letra y se montó, fue uno de los primeros temas que se montaron. Y nada, tengo como encuentros con este tema todo el rato, pero me gusta mucho. Desde el lado musical, tiene raíz con la música afrolatina.


Pez

La letra de “Pez” tiene mucho que ver con esos periodos oscuros, de crisis y depresión; de cuando ya no quieres nada con la vida y solo queda hibernar y resguardarse para no conectar momentáneamente con el exterior. Se asocia a un pez en una pecera dando vueltas.

De hecho el tema dice “cambio de solsticio, anido un poco de rabia además”, que es como sentir que estás cambiando de piel, marchitándote para volver a renacer. Y como este proceso tiende a ser doloroso, gracias a la intuición y la experiencia podrás mantenerte en pie porque sabes que efectivamente vas a llegar de nuevo a un momento de renacimiento.


Poema 1

– Los dos poemas de este disco forman parte de un mismo mito japonés que habla sobre el dragón y el agua y su ciclo. De hecho, el disco físico va a tener la traducción de estos temas y estamos trabajando con una artista visual que nos va a hacer la animación de los poemas con su respectiva traducción.

El gran origen se funde en el mar y comienza el viaje.
El agua  se mueve durante dí­as, semanas o incluso años
para comenzar el viaje.
Es el Amaterasu Okami, la vida imperial de Ina.
La encarnación del sol se calienta .
Lo que perdió el cuerpo sale del ojo una vez y va al cielo.
Sora está vacía y no puede ver nada.
Si el viento que sube es un lobo, se convertirá en una nube
Si el final de la subida se eleva, se convertirá en una nube,
y con el viento que cambia la estación, una corriente de agua viajará, golpeará las montañas y se convertirá en lluvia.
Lloverá, Lluvia, diez, truenos.


Elixir

“Elixir” es el primer tema que compuse, un día llegué y dije “chiquillos, esta es la onda”, y cómo lo compuse con guitarra tenía mucha más claridad por lo que se dio muy fácil. Yo diría que es el tema que más fluyó ya que fue el primero y el que enganchó a todos los integrantes de este proyecto a quedarse.

Nos conocimos gracias a que practicamos en la misma casa de ensayo, en la Casa Coltrane. Ahí a través del compartir, del cotidiano y de las jam sessions empezamos a intercambiar musicalmente y conocernos un poco más hasta que de manera muy espontánea salió la banda. De hecho, la primera vez que nos juntamos a ensayar fue sin saberlo. Y estábamos trabajando en el beat de “Elixir”.

Podría decir que este es el primer tema más pensado en términos de arreglo aunque haya sufrido de muchos cambios. Ocupamos la PO12, una maquinita chica que de hecho aparece en el videoclip, para hacer un beat aparte de la batería que hizo el Tito para ponerle algo como más electrónico, más hip hop. De hecho, igual yo tenía pensado que este iba a ser un proyecto mucho más hip hop del que terminó siendo, pero también creo que así responde mucho mejor a mi identidad y la de mis compañeros.

Respecto a la letra, retrata esa atracción que puedes sentir por alguien aunque tú sabes tiene otros intereses, ya sea porque quiere ir para otro lado o tiene otras prioridades. Pero igual quieres experimentar ese sentimiento que aflora cuando conoces a alguien y quieres pasarlo bien, como un “oye, vivamos esto, vivamos el momento, conectémonos con el presente”. Y toda esta temática se abarcó desde un lugar más simbólico también, de sentir el beat de la canción y al mismo tiempo el latido de la canción.


Litoral

Este tema fue escrito para el teaser de una serie de unos chiquillos que nos invitaron a participar en el soundtrack. De hecho se llamaba “Litoral”, era una serie web a la que estaban postulando los chicos. Como que el protagonista decidía renunciar a su vida citadina para irse de viaje por todo el litoral chileno, por todas las playas y paisajes. Y como el personaje era poeta y escribía poesía y tenía estos cuestionamientos de la vida, escribí el tema a partir de esa temática. Y claro, este tema en particular está basado en una historia ficticia pero también me siento representada.


Do-B

Esta fue una letra que partí escribiendo yo y me bloquee. Después llegó Iván Araya (bajista), que además es vocalista de Insultanes y creo que es un artista súper completo y también muy creativo a la hora de escribir, y me dijo “Fran, a mi me gusta caleta este tema, yo completo la letra”, y la completó cerrando toda la idea que empecé yo a plantear. De hecho, es como la letra más crítica del álbum, se va en la onda de criticar el sistema, a cómo estamos configurados, juicios valóricos en sí. En el coro está como la tesis, que en el fondo es como un “salte del juego”: sácate el velo, la máscara, las cadenas que te atrapan, que el sistema mismo te impone y que la religión ha metido también en las células de nuestro cuerpo, elimínalas, despójalas, brilla con tu luz propia y libérate.

Era un tema que me incomodaba y finalmente terminó siendo el tema más escuchado del disco, pero lejos el más escuchado.


Llévame

Creo que es el tema que implicó más elaboración en lo que producción musical respecta. Es un tema más cortito y que tiene una estructura más pop. Pero fue pensada con esa finalidad de que no tuviese tanta búsqueda instrumental, que fuese un tema más simple para que la gente se contagie al escucharla ya que igual estábamos cayendo mucho en eso de hacer música para músicos. Y obvio que hay un montón de gente afuera que solo quiere sentir música, por lo mismo tratamos de hacer algo más para la gente y con más oreja.

Y bueno, le pusimos el sello de banda, para eso tuvimos que simplificar ideas como no hacer estructuras tan complejas, añadir tiempos combinados o hacer que se repitiera el coro; entonces esa elaboración igual tomó más tiempo.

Para ello tomamos un camino distinto a través de la búsqueda de referencias y encontramos un par de temas que nos gustó mucho ese recurso como de detenerse en la mitad de un transe, agarrar vuelo y ¡pah! seguir. Es un juego musical que audiblemente te sorprende a medida que te transporta “hacia el espacio sideral” subiendo, bajando y después llevándote al mismo punto nuevamente mientras genera esa sensación vertiginosa a través de los recursos musicales.

Klaus: “Llévame” también tiene elementos más modernos como los efectos en las voces y en los vientos. Es como un tema electro funky en versión futurista.


Poema 2

– Estos fragmentos nacieron de una misma improvisación que hicieron los chicos en el estudio, a la primera toma. Siempre hay un espacio donde nos quedamos todos los Samurai Groove improvisando y salen cosas buenas, y acá ocurrió magia realmente, no sé si conexión divina o fue el universo.

Este lugar se llama “Sha” .
Geológicamente se dice río abajo.
Cada rol dividido arriba y abajo (Kami Shimo)
El lugar donde se  encuentra con el océano se llama “tsu”
Estos grandes remolinos hacen olas y arrastran toda el agua al mar .

Hedonismos

Hedonismo es una palabra que la definición proviene de un sentido filosófico, de una doctrina, que considera que el objetivo de vida de los seres humanos es la búsqueda del placer y el goce en todo sentido; el fin único. Obviamente sé que la vida está llena de vaivenes y de valles, pero escribir esta canción fue como escribir un decreto, de decir, “oye, enfócate solamente en lo que te hace feliz, todos los días se puede volver a empezar”, porque finalmente somos nosotras y nosotres quienes dirigimos cómo afrontar el sueño de la realidad y diseñarlo a nuestra medida.

“Necesito un poco de vibras positivas para mi piel mulata, la esclavitud de la metrópolis me mata, rebata mi alma. Lucha, anda, limpia, re programa todo aquello que te daña y no deja que fluyan tus pies. A donde quieras que vayas, traza decidida y firmemente el camino que quieres seguir con el propósito en mente. Te tildan de demente, vaga, inconsciente, no permitas que paradigmas sociales, morales, añejos te nublen la mente. Yo vivo la vida a mi manera, sea el precio que sea, vivo a mi manera y el hedonismo supremo es una de mis banderas”, creo que también se asocia con el feminismo esta visión de la vida que viene a terremotear y cortar de raíz todos estos decretos antiguos, impuestos, patriarcales que se asocian también con la religión, del deber, del ser moral, la abnegación. Todo eso es algo con lo que personalmente me encontré al escribir la letra de esta canción, me encontré con la necesidad imperante de cortar de raíz estas cosas para forjar mi destino como yo quisiera, liberándome de las etiquetas, de la opinión, del qué dirá el resto y viviendo como quiero vivir.

Este fue un tema que nos costó harto ya que está en siete octavos y como el ritmo es un rap hablado es complejo de montar de por sí. Creo que fue el tema que más he investigado, al que más cambios le hicimos y el que encuentro más virtuoso en temas musicales; nos tomó harto tiempo montarlo por lo mismo. Además que era mucha letra entonces yo también tenía que caer bien en los remates de los versos.

Klaus: Y “Hedonismos” es un tema que tiene hartas modulaciones vocales, pasa de una escala a otra y después a otros tonos entonces como que va variando, eso lo hace interesante. Quizás sea bueno destacar también esa parte Hiatus, que son esas partes con layback, que también le dieron un carácter bien particular que tienen que ver con la rítmica que se usa hoy en día en el soul y en la música urbana.


Fluye

Este es un tema más esperanzador, fue hecho en tiempos de crisis pero deja un mensaje que es más motivacional, por llamarlo de alguna forma. Habla de cómo atravesar obstáculos, de aprovechar el error para agarrar vuelo y tomarlo como una oportunidad de no conectarse con la tragedia; sobre estar en una frecuencia de apertura ante el mundo, ante las oportunidades, de relajarse, dejarse llevar y de fluir. Habla del flujo así como lo hace, de una manera mucho más metafórica, Mc Mystie con el relato del dragón.

La estructura de la base la hizo Iván Araya y la canción termina con un drum and base que te sugiere una catarsis para bailar y dejarte llevar enajenado en ese flujo musical. Finalmente somos un todo y eso lo dice también parte de la letra: “déjame decirte que somos un punto diminuto de esta esfera llamada planeta tierra” .


Samurai Vaporwave

Para “Samurai Vaporwave” se le bajó la velocidad a la intro de “Samurai Story” para ocupar ese extracto en modo de aterrizaje. Para ir bajando constantemente después del viaje por el que te llevó el álbum. Al mismo tiempo te conecta con el cielo.


La portada

Esta carátula fue hecha por la ilustradora, artista visual y tatuadora Camila Fuentes (@yocamilalu), quien ha trabajado con todos los artes de nuestros singles durante el proceso de lanzamiento de álbum. Surgieron varias ideas antes de llegar a este resultado, pero nosotros sí o sí queríamos transmitir a través de la carátula esta misteriosa conexión entre la luz y oscuridad a las personas. 

Aparecen las flores de cerezos, que son bien típicas de la cultura oriental. El disco es un viaje que está trazado por relatos por fragmentos de un mito relatado por una japonesa heredera del canto tradicional japonés que es Mc Mystie. Entonces ya que tenía ese elemento, nosotros quisimos simbolizarlo también por medio de otro elemento visual que son las flores de cerezos que simbolizan también a los guerreros y sus principios, entre los varios que tenían que era vivir con pasión y belleza interior aunque la vida fuera corta, para ellos simboliza la transitoridad de la vida. Y que también te conectan con una sensación de templanza, de estado de equilibrio. Aparece el cosmos también con estas estrellas. También acoge el vivir con belleza a pesar de la incertidumbre.

La flor representa la fragilidad, femeneidad, es un elemento bien poético.

Respecto al cosmos, antes d elas estrellas está la luna atrás, ese círculo representa a la luna que es un símbolo demisterio de por sí, en el tarot en la cultura en general, representa la noche, representa los misterios también, representa el poder femenino, porque es la luna, la reina del cielo en algunas mitologías y también es la causante de esta efervecencia y del movimiento de la manera, del flujo del agua en cualquier organismo que albergue agua. Entonces quisimos ponerla atrás porque nos rige como seres humanos y también hablamos mucho de este tránsito de los ciclos del agua, lo relata Mystie en sus poemas

Hay dos estrellas que salen clavadas en mis ojos porque dan cuenta y simbolizan esa riqueza interior y la luz que hay dentro de nosotros mismos a pesar de estar en un entorno de oscuridad, que todo ser humano tiene y es donde finalmente se puede ver el estado más puro de nosotros, donde radica esa luz y nuestra libertad.

También la mirada en sí en el primer plano es como una mirada media desafiante, como de querer ir directo y media seria también y yo creo que es como quizás una invitación a introducirse en este viaje que van a vivir a través de la música y no sé a un dominar nuestros propios sueños, los Toltecas hablan harto de eso en un libro que se llama “Los cuatro acuerdos”, donde dice que la vida es una manifestación de nuestros propios sueños y por eso es un arte vivirla.

Respecto a la mujer vestida con abrigo felpudo y alhajas bueno, es una madam. Una mujer que se enfrenta a la vida desde un lado también como sacando su alter ego, su Dios anterior. Y

Ficha técnica

Voz: Francisca Riquelme
Saxo Alto y Flauta : Klaus Brantmayer
Teclados: Diego Alarcon
Bajo y Voz: Iván Araya
Batería: Roberto Gevert
Invitados:
Flugel: Cahmi (presencia)
Guitarra Eléctrica (Martín Concha)
Narración Mc Mystie (poemas)
Asistencia Técnica: Jorge Peña y Marcelo Carrasco
Arte y Diseño: Camila Fuentes
Producción ejecutiva: Tino Canessa y Josefina Valenzuela
Grabado, Mezclado y Masterizado en Santuario Sónico por Juan Pablo Quezada (Prabha)
Producido por Madam & Samurai Groove
Cofinanciado por el Fondo de la Música 2019 del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes

 

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