Camila Moreno explota todo y se deja llevar por su intensidad en "Rey", canción por canción

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Val Palavecino

Ella misma lo reconoce. Rey, el más reciente trabajo de estudio de producción de Camila Moreno tras 6 años, es un disco atormentado. Cada vez que lo escucha, ella queda “media devastada”.

“Me he dado cuenta que sí, soy una persona un poco atormentada, que cuando encuentro alivios, los disfruto, pero sé que me van a sacar momentáneamente de mi tormento” cuenta la multifacética artista, que tras dos años trabajando en esta obra que con 20 tracks, 12 de ellos canciones, invita a un viaje. Y como toda andanza tiene una cuota de amor, revolución, hasta transitar hacia puntos incontrolables de muerte y oscuridad.

La aparición coincide en medio de la apertura de las ciudades en Chile, y que tanto la crítica especializada como oyentes han levantado a la placa como una obra intensa, la cual fue producida a cuatro manos por Cristián Heyne e Iván González, y la participación de ilustres en ciertas canciones como Pablo Stipicic, Ximena Sariñana y Lido Pimienta.

La satisfacción ha sido tal por parte de su creadora, que reconoce que su único deseo en este minuto es poder tocarlo en vivo. Es en medio de la promoción de Rey que Camila conversa con LaRata.cl para relatar detalles detrás del LP, en donde no tiene en problemas en reconocer que lo electrónico prima, que “robó” muchos samples que terminaron sonando muy distinto a los originales, como así también da espacio en el disco a sonidos documentales, registros que conservan los momentos por los que transitó en su creación mucho antes del estallido social.

Para Camila Moreno, Rey es la expresión personal de todo lo que alguna vez la aprisionó, una introspección hacia la movilidad del género que la llevó dos siglos hacia el futuro, tomando la ciencia ficción para contar la historia de X, una niña mitad humana y mitad cyborg que se enamora de M, una mujer mapuche, las que juntas tendrán que buscar el fuego secreto.

Con influencias de autoras como Donna Haraway o Ursula K. Le Guin, para Moreno su disco es también una reflexión de la poca presencia femenina hay en el género, tanto a nivel de autoría como de personajes. Pero es en esta liberación del dualismo en el que estamos sujetos como sociedad el que busca cuestionar a través de lo cyborg. Lo blanco o y lo negro. El binarismo y la moral de esta época que ella espera que se acabe rápido. 

“Ser cyborg es una erradicación del género y una posibilidad infinita de ser. De ser un híbrido, de ser una mezcla de cosas que ya lo somos. Pero todavía seguimos con el conservadurismo a cuestas y con la tontería de lo que nos ha enseñado el patriarcado, la odiosidad y la religión”, relata. 

Sin duda, esta nueva placa corre muchos riesgos. Explota todo. Mezcla rabia con las ganas de encontrarse con su verdadera identidad. En ese proceso, Camila explica que “Pangea” tuvo un rol crucial, una especie de cierre de temporada con ese disco recopilatorio en vivo. Un trabajo arduo que vino a poner el fin de una era.

Su impresión es que los tres trabajos anteriores estaban “mirando hacia atrás”, tanto a nivel conceptual como estético. En Rey hay ganas de mirar hacia el futuro, como a su vez cuestionar lo temporal. No necesariamente el futuro está delante y el pasado está atrás.

“Rey” es un proyecto que Camila levantó de manera independiente, sin sello y sin disco físico por el momento. Una proeza en un país donde el arte queda en segundo plano. Ha sido duro, difícil, pero sobre todo frustrante. Muchas veces ella sintió ganas de tirar la toalla al ver agonizando al sector de la cultura y no existir voluntad por parte de las autoridades de solventar esta situación. Ella considera que esto es parte de la “idiosincrasia de un país que no le interesa la cultura”.

Pese a todo, el proyecto sobrevivió y liberó las más diversas narraciones, siendo las canciones una de las tantas. El programa “El diario nocturno”, las historietas virtuales, los videoclips, son parte del lenguaje que Camila busca reformar, ansiosa de esperar con los procesos revolucionarios que nos han marcado como país que no solo hablan de la dignidad, sino de la libertad en todas sus formas.

“Mi razón de vivir es tratar de generar otras narraciones, porque la actual es verdaderamente deprimente”, asegura la artista, quien si bien mantiene la fe frente al devenir de la Convención Constituyente, aún siente que se apostillan las posibilidades de crear algo realmente nuevo y justo para todes. Siente que hay resistencia a ceder, a permanecer en el status quo, en ideas de odiosidad.

A su vez, no esconde que el período de encierro producto de la pandemia ha sido terrible y desolador, manteniendo intactas esas ganas de que lleguen “esos locos años 20 que nos prometieron”. 

El cuarto disco de estudio de Camila Moreno es una obra conceptual extraña para los tiempos actuales, “donde se venden canciones como hamburguesas”. Es innegable que existe una interconexión entre las letras, lo que nació de manera espontánea. Las canciones proponen eso, repiten conceptos y conversan consigo mismas sobre el romance, el placer o la liberación.

Un LP que tiene una historia atrás,pero que la cantante insiste en que cada oyente puede armar su propia rayuela. Te invitamos a revisar, canción por canción, el XTrack de “Rey”.


(Amigas)

Siempre es una gran discusión. ¿Con qué canción voy a abrir el disco? Cuando decidí que fuera “Quememos el reino”, quería hacerle una obertura, un momento sinfónico, por llamarlo así. Quería que en esa obertura hubiesen matices y cosas que van a ocurrir, que sea como ver un tráiler.

Tomamos la transición que se llama “Las danzas carnívoras de la nada”, que fue hecha para el capítulo de M de la historieta virtual, este personaje con origen mapuche. Yo hice un ritmo inspirada en las músicas indígenas e hice esta transición que tiene un ritmo indígena. Luego tomamos eso y lo rompimos, y sobre eso pusimos voces reales de una mujer indígena cantando, y también la rompimos y eso lo mezclamos con el sinte de “Quememos el reino” y generamos este mundo electrónico pero transciático. El inicio es una llamado a las amigas.


Quememos el reino

Todos esos versos nacieron antes del estallido social. Nacieron inspiradas en el feminismo y se cuajaron en el 8M del 2019, que fue un 8 de marzo increíble para mí. Y este “donde están mis hermanas/ Sin ellas estoy perdida” tiene dos lecturas.

Yo tengo muchas hermanas, somos cuatro. Yo tengo una relación muy, muy intensa con ellas, en el buen sentido. Mis hermanas son un sostén familiar, un núcleo familiar. La conexión que tengo con ellas es como una conexión en sí misma. Yo soy la mayor y siempre he tenido el miedo de que les pase algo porque son mujeres. Y siempre he dicho que prefiero que me pasen las cosas a mí y no a ellas. Si algo malo va a pasar, prefiero yo ser la receptora de esas cosas malas.

Esos versos son una alusión a mi vida, a mi vida familiar. Pero también hay una alusión a algo más genérico de las hermanas, de las mujeres en general, de todas las mujeres que se han perdido, que han muerto, que han sido víctimas del machismo.


Rey y (Rey Secreto)

Rey también estaba antes del estallido. Estaba la letra y los acordes, pero fue una canción que mutó mucho a nivel de producción. Partimos haciéndola con el Iván González, después entró COCÓ a jugar en la canción. Finalmente, la terminó Pablo Stipicic. Fue una canción bastante colaborativa y de mucho darle vuelta a los sonidos.

Rey secreto es una coda de Rey. Seguir repitiendo una idea. De hecho son los mismos acordes pero con otra melodía. Yo le había inventado otro coro a Rey. Me gustó, pero no hacía competencia dentro de la canción. En verdad, nosotros trabajamos en un principio Rey Secreto como una canción propiamente tal, pero nos parecía un poco redundante y la canción no cuajaba. Decidimos dejar esa toma que la hicimos con el micrófono del computador, donde yo le mostré la idea a Iván. El disco ahí empieza a tener estas cosas como medias documentales. 


Es Real

Tiene la gracia de ser como el puntapié inicial. A nivel de emocionalidad, es la primera canción que yo compuse de esa camada de canciones que hablaban del amor, que hablaban de la revolución, que hablaba del erotismo, que hablaban del amor entre dos mujeres.

Cuando empecé a hacer Es real, me sorprendí mucho porque era una canción mucho más pop de cualquier cosa que yo hubiera hecho antes. Y eso me gustó. Cuando me pasa eso y la canción me saca de mi lugar de confort, me termina gustando mucho. 


Ya No

Tiene un fragmento de la película La Vida de Adele. Esa es la escena del quiebre entre ellas. Ante la llamábamos la escena del llanto. Ellas están discutiendo y están llorando, y atrás suenan unos chelos que son de Kim Gordon. Es un poco narrativa, cuando uno quiere creer que es real, pero ya no. Se debería leer así. Es como un quiebre rápido en un amor que se sentía muy real, pero después no. 


Déjame (feat. Ximena Sariñana & Lido Pimienta)

Ellas son amigas mías hace muchos años y fue un trajo súper fluido. Me mandaron sus voces por WeTransfer y ya. Me mandaron varias pistas y nosotros armamos el rompecabezas.

A mí me gusta porque es una canción épica pero dolorosa. Es una canción que también tiene esa contradicción de querer irse, pero de querer quedarse. Déjame ir, déjame hacerlo mejor, déjame irme.

Tiene que ver con ese momento de quiebre en las relaciones donde hay una contradicción. Me gusta mucho el inicio con las cuerdas, me gustan mucho los sonidos que elegimos. Me gusta mucho el sample que nosotros le llamamos “los lápices BIC”.

Que la canción sea en seis octavos me gusta también. Pablo Stipicic tuvo la buena idea de proponer un charango. Cuando lo propuso, a todo el resto de los productores no les gustó la idea, pero a mí sí. Cristian Heyne quería meterle una guitarra acústica, pero el charango le da una cosa latina propia de los ritmos en seis octavos que tienen que ver también lo andino. 

“Déjame” todavía no está contando la historia -audiovisual-, pero la contará en algún momento. 


Porque

Es la intro de “Hice a mi amor llorar” y también es corte documental porque tiene el sonido del bote del videoclip. Suena como esta voz como de lamento y el agua que empuja el bote. 

Hice a mi amor llorar

Es una balada. Siempre hay una balada por disco y no ha sido de una manera consciente, la verdad. Ha sido propio de los procesos que vivo. Es una balada que suena como lo más orgánico de este disco, pero también se mezcla con algunos detalles electrónicos.


(Soy)

Dejamos el sonido de la guitarra rota cuando enchufas un cable y se te echa a perder el plug. Decidimos ponerle la voz de Lido Pimienta arriba. Quisimos dejar esa falla eléctrica, porque se está hablando de la electricidad.

Villano

El título lo dice. Es un juego con el género, ya el coro dice Puedo ser tu rey, también puedo ser tu villano. Viene justamente después de Hice a mi amor llorar donde uno ya no es la victima, sino que es el victimario. Tienes la posibilidad de darte cuenta de tu responsabilidad en las situaciones que viviste. Son cavilaciones medias atormentadas de cuando te das cuenta de lo que hiciste, pero también cuánto entregaste. Y finalmente esa entrega se transformó en apego y en cosas que son extrañas de la psicología humana.  


Detonación y Cerca

Aquí ya no hay linealidad, se rompe la linealidad. Detonación y Cerca son momentos eróticos entre ellas.

Detonación tiene que ver con un tercero que aparece en la historia, que todavía no aparece. Detonación parece que estuviera escrita más por M que por X. M quiere detonarla y no se entrega realmente, pero se entrega un poco. Tiene que ver con el deseo en su más pura expresión.

Cerca tiene que ver con la intimidad, con el romanticismo que ellas viven en esta idea del mundo paralelo, cuando viajan con el fuego secreto, viajan a otra realidad. Podrían ser los años 70´s u 80´s,y y ahí son mujeres normales, pero se les cruza la realidad de ciencia ficción, se mueven a un multiverso. 

En ese sentido, Detonación y Cerca rompen porque para mí hay un relato sonoro. En el disco físico lo van a poder ver. La cronología sonora es ponerle play al disco y escucharlo. Pero la cronología narrativa es otra, ahí parte con Es Real, no parte con Quememos El Reino.

Aún así, pensando que hay una imitación a Rayuela con Cortázar, cuando hay una cronología o una manera de escuchar o de leer, que es la sugerida por el autor para que se pueda entender la historia. Aún así, es una historia no lineal que te puedo contar que tiene distintos finales. No hay un solo final, no hay una historia que partió, que si bien si, tu igual puedes tomar la historia como un rompecabezas y poner las canciones en distintos momentos del tiempo.

El fuego secreto tiene que ver con eso. Si bien en el mundo mas lírico tiene que ver con encontrar una emocionalidad particular, un amor, una sensación muy única que uno puede llegar a tener, por otro o o por uno mismo, por algo. En el mundo de X y M, en el mundo de la historia, el fuego secreto te permite abrir portales hacia otras dimensiones. Por eso el fuego secreto se repite tanto en el disco como concepto. 

Nosotros todavía tenemos una mente muy cuadriculada y creemos que el pasado está atrás y que el futuro está adelante. Yo creo que hace rato que la misma ciencia cuántica hasta el mismo rollo cyborg nos ha dado otras respuestas. La sensación del tiempo también tiene que ver con lo que pueden llegar a percibir tus sentidos, pero no necesariamente por qué pasa así. Cuando era niña el tiempo pasaba mucho más lento. El tiempo es una percepción, y depende del observador.

Así es como la realidad es tan variada y tiene tanto multiversos como personas. Es algo a lo que no podemos acceder mentalmente, pero yo creo que sí podemos acceder a través de la imaginación. 


(El Paco Es) y Hombre

El Paco Es también tiene sonidos documentales extraídos de el estallido social. Hombre fue una canción que compuse hace mucho tiempo. Yo tenía mucha rabia contra un manager que me había robado plata. Se terminó transformando en una rabia hacia el arquetipo del hombre nefasto. Y para mí, el arquetipo del hombre nefasto está plasmado en eso, en la milicia, los milicos, en los pacos, en los gobernadores.

Finalmente, el hombre nefasto es el que hace guerra, el que se viste de milico, pero también el que manda a la guerra, el que sale de terno y corbata y que es el verdadero delincuente.

En el contexto de la historia, como ya dejamos la linealidad, es la expresión de rabia que tiene X con los hombres grises que destruyeron todo en su mundo. Estos hombres en el mundo de X y M son los hueones que destruyen todo porque están buscando el fuego secreto, porque quieren ese poder, pero ellos aún no saben que ese poder está relacionado con el amor.

En el caso de X, ese fuego se le genera por la música. De hecho, la primera vez que ve el fuego es porque la música le generó ese espacio inefable, esa sensación extraña y se le presenta el fuego secreto. Pareciera ser algo que uno igual puede crear. No es solamente un elemento de la naturaleza, pero los hombres no saben eso. Hombre es una transición a esa rabia en el mundo de la historia de X y M.


(las ansias carnívoras de la nada)

El título viene de un robo a Jodorowsky. Es un libro que me marcó mucho cuando yo era adolescente. Es un libro muy poco conocido de él, tan raro que no está en ninguna parte. Me gusta eso también, porque el título del libro hace como que la nada también se comió al libro.

Me gusta el concepto de la nada porque está presente en el imaginario de Michael Ende en La historia sin fin, cuando viene la nada a comerse el mundo de la fantasía. Por eso, Atreyu y Sebastián tienen que salvar el mundo de la fantasía.

En este caso, para mí (las ansias carnívoras de la nada) tiene que ver con un momento de trance y de parto. En el cómic podrán ver más adelante que hay un tema con la maternidad. Y llega un momento de parto, pero también de desolación, donde ya no quedó nada. Qué pasa ahí cuando ya no hay nada.


Corderito mío

Viene después de (las ansias carnívoras de la nada) por la posibilidad de que algo pequeño nazca de nuevo. Es un poema de Gabriela Mistral que leí cuando estaba embarazada, cuando recién había parido.

Es lo único que ha podido realmente retratar de manera tan exacta mi experiencia de la maternidad. Yo tomé la costumbre de cantarle ese poema a mi hijo. Entonces decidí grabar esa cosa espontánea que había nacido entre él y yo. Era una canción a capela, una melodía que le puse al poema. Y así fue como tuve la idea de ponerlo en el disco.

En mi encuentro tardío con Gabriela Mistral, me topé con las cartas que ella le mandaba a la Doris Dana, y generalmente le escribía en masculino. Le decía Soy un necio, amor mío, perdóname. Ahí es donde entendí que el disco se tenía que llamar Rey. Estaba todo cuajando con respecto a la movilidad del género, eso me gustó mucho. Fue como cuando se te confirma algo. 

La dualidad está en todas las cosmogonías. Nosotros somos los que estamos más atrasados. Siento que somos un refrito de lo peor de la cultura. Los cristianos con el genocidio de los indígenas. La Inquisición y todo ese refrito que vino después de toda la idiosincrasia cultural. Finalmente, tanta culpa que sentimos. ¡Ay!


(Cacapaf)

Mi hijo recién había cumplido 4 años. Nunca pensé incluirlo en el disco, pero con mi hijo jugamos a hacer canciones. En general, trato de hacer canciones de cosas que le gustan. A él le gusta Pokemón, sobre todo la canción de Jigglypuff. Yo lo dejo cantar lo que quiera, y él quería joder con que era caca. A los niños le gusta la caca e hicimos esta canción de Pokemón. Quedó este pedazo donde él está cantando solito y decidimos dejarlo, porque era una alusión directa a Corderito Mío.


Comer llorando

Para mí, también tiene que ver con la maternidad. En un momento cuando estaba en el proceso de la lactancia, tuve muchos problemas porque se me rompieron los pezones. Yo daba leche con sangre y me dolía mucho, mucho. O sea, prefería parir. Con eso te digo todo. Yo parí sin anestesia. Fue fuerte y todo, pero partió, se demoró dos días y terminó. La lactancia no. La lactancia duró un año y medio.

Obviamente, no todo el tiempo me dolía, pero fue un tiempo prolongado. También me pasaba que mi hijo quería tomar mucha leche y se transformó en una guagua muy gorda. Era realmente, impresionantemente gordo. Parecía Buda y yo estaba quedándome muy flaca porque él tomaba mucha leche. Entonces tenía que forzarme a comer. Tenía que comer como una obligación. Me dio anemia, toda la huea. Comía llorando, así se me vino esta idea de que no hay nada peor que comer llorando. Es totalmente contradictorio, son actividades que se deben hacer aparte. 

La cuestión es que salió esta canción en el 2017. Yo la tenía ahí súper guardada y era originalmente muy distinta. Se la mostré a Iván y me propuso un arpegiador de bajos. La canción agarró una fuerza, y tiene que ver también con la reflexión de lo que no fuiste. Hoy intento explicar lo que no fui. Es una de mis canciones favoritas del disco. Es bien atormentada… la canción.


La Luz Asesina

La luz asesina habla de desaparecer. También es una reflexión devastadora pero es una verdad. Todo lo que conocemos, toda la gente que conocemos, todo lo que concebimos, va a desaparecer en algún momento. No solamente con la muerte de uno, sino que con la muerte de esta era.

Es una reflexión más personal sobre la mediocridad, sobre el alivio falso. La misma historia de X y M puede ser un alivio falso. El amor puede ser un alivio falso. Obviamente hay otros tipos de alivio falso que uno que uno usa, como tomar, fumar, comer, buscar likes en Instagram. Alivios que te alivian la existencia. Rey es un disco atormentado. Me pasa cuando lo escucho, que quedo como media devastada. La primera parte del disco es como una trampa al ser bailable, y está bien. Pero el disco se va poniendo cada vez peor.

*Fotos por Val Palavecino.

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