Roce de Mente han tomado a Chile por sorpresa con su hip hop alternativo y su forma de sentir, explorar y repensar el proceso creativo. Compuesto por Maite Maitezaz (Maite Valenzuela), Heilow (Alonso Amion) y Balta Carmona, el trío lanzó su carta de presentación “VERTIENTES, CAMINOS, SERPIENTES” (2026), un álbum que demuestra que se puede experimentar sin sobrepasar el límite de lo extraño, sino que entregar un producto disfrutable y fresco para todas las masas.
Así nace, con un objetivo claro. Balta comentó que “Roce de Mente” se remite a que “somos mentes constantes en contacto”. Un proyecto que antes fue pensado como un colectivo musical, pero que finalmente terminó como un grupo gracias a la química entre ellos con una identidad marcada.
Formados en la comuna de La Florida en 2023, como estudiantes de cuarto medio, en mayo de 2024, siendo estudiantes de Música, lanzaron su primer EP “FLOR EN FIEBRE”. Seis canciones que inmediatamente resonaron en la comunidad del internet, haciéndose conocidos principalmente en TikTok por su acercamiento al flow noventero del hip-hop. Incluso usuarios los compararon a Los Tetas y Makiza, pero el trío dice que van más allá.
Cercano a un pop rap con toques de neo-soul, jazz-rap, funk y sonidos electrónicos, Roce de Mente explica que no específicamente quisieron acercarse a estos géneros, no quisieron encasillarse en ellos, sino que fue por su cercanía a gustos musicales diversos y demostrar una evolución del rap chileno. Balta sostiene que esto está estrechamente relacionado a que “nos gusta mucho hacer conversar la complejidad, la musicalidad y las influencias de todos lados. Hacerlas convivir con la accesibilidad, pero que sea de calidad“.
“Es una bonita manera de empezar a hablar de lo que más conocemos que es nuestra propia experiencia con el arte y con la música“, afirma Heilow en cuanto al origen del álbum, al mismo tiempo que Balta explica que “es el producto máximo de nuestra visión artística, de todas las cosas que nos gustan y nos apasionan”. Para la juventud de hoy, lo que relata el disco, comenta Maitezaz “es tan cotidiano que todos lo pueden adaptar a su propia realidad y a la propia vida que llevan”.
“Vertientes, Caminos, Serpientes” no es un nombre que solo pretende rimar. Posee una concepción mucho más espiritual. De acuerdo al trío, la vertiente significa a lo que como artistas aspiran, de dónde beben para el proceso de inspiración y el lugar en el que quieren estar. Los caminos, todos los trayectos que existen para llegar a la iluminación. Por último, las serpientes como aquellas adversidades enfrentadas en la ruta.
En la senda encontraron a otros artistas, referentes y amigos del ambiente del hip hop/pop alternativo actual, quienes les ayudaron a construir el trabajo discográfico: KUINA, J18, Douglass, $lum y Pelmi de Scott y Los Pelmazos. Todos ellos elegidos con pinzas acorde a estética y sonido de cada tema en el que están presentes. En cuanto a co-producción cuentan con kane, imbn y Ninja Nigro, elevándose la propuesta.
La Quebrada de Macul se convirtió en la brillante vertiente para la portada del disco. Una postal que fue tomada por Octavio Skiaffos, fotógrafo chileno. “Siempre pensamos mucho en el agua como representación de esto ‘divino’ a lo que queremos llegar, un lugar de calma y seguridad. Lo pensamos como el elemento que nos entrega calma (…) pensamos en naturaleza”, comenta Maitezaz sobre la idea plasmada.
Conversamos de la esencia de cada canción del LP debut de Roce de Mente con Balta Carmona, Heilow (Alonso Amión) y Maitezaz (Maite Valenzuela), los tres artistas de este proyecto en esta nueva revisión tema por tema en LaRata.cl.
LOS INNOMBRABLES
B: Nosotros siempre pensamos partir el disco desde la rabia, del sentir desregulado y eso se tradujo en un tema súper bombástico, fuerte, potente (…) Partir con un hip hop duro es partir de nuestra base y de nuestra realidad.
H: Queríamos una entrada con presencia. El nombre habla un poco de gente importante que hizo cosas (…) que no están presentes ahora pero que son un legado imborrable (…) Agradecemos todo lo que nos permite estar aquí hoy en día (…) Es una oda hacia el pasado.
M: La segunda parte es un poco más triste, porque al principio ya, es rabia, es potente todo y el rap también ayuda a una descarga muy grande de cosas, pero después pasa todo este momento más desamparado (…) y la vertiente es lo que nosotros deseamos (…) Es el primer indicio de esa búsqueda de pedir por favor esa ayuda.
sin norte
B: Es la etapa de nosotros viviendo nuestra monotonía, nuestra cotidianidad en la vida y este sentimiento de desamparo, de no tener norte.
H: De ser joven y estar cansado un poco de lo mismo. A todo el mundo le ha pasado ese sentimiento de querer encontrarse con algo nuevo, de esa necesidad de cambiar, de sentir que tienes en las manos el rumbo de tu vida, pero sin embargo no sabes hacia dónde llevarla.
M: Es de ese momento más ambiguo y angustiante del día a día, que no necesariamente es que algo malo está pasando, no es necesariamente estar triste, es solamente angustiante que sea todo el rato lo mismo, todos los días lo mismo, y que no haya una certeza de saber bien a dónde uno va.
AMULETO
B: Es un punto de inflexión, porque es en el momento del disco donde encontramos nuestro propósito, este destello de luz que viene de la vertiente. Inicialmente es de una manera un poco más densa, porque nosotros estamos anhelando muchísimo eso, casi rezándole a algo que es externo a nosotros.
H: Eso para después entender que es algo que vive dentro de nosotros y no hay por qué aferrarse. Representamos en el amuleto el sentimiento de encontrar lo que queremos.
serpientes
B: Es el primer interludio de los tres (…) cada uno encarna un concepto. En este caso, Serpientes es mi canción.
Entrega una perspectiva distinta (…) Es una canción optimista, habla sobre las adversidades, porque viene saliendo de Amuleto: encontrar nuestro propósito y todo eso, ahora veo todo lo que está mal en mi entorno, el estrés, las serpientes, pero uno tiene fe en lo que uno hace y en lo que te hace a ti mismo. Por eso dice “me sisea una serpiente, yo me mantengo despierto” que significa que me dejo llevar por estas cosas(…) Nos gusta esta dualidad de serpientes y que es un tema optimista. Eso se nota mucho en la producción, es súper rápido, dinámico, hasta bailable.
M: Es otra forma de posicionarse frente a las adversidades.
1DESTELLAR
H: A los tres nos gusta el dinamismo entre nombres , el juego entre la mayúscula y la minúscula, que el nombre aporte al entendimiento de la canción. En verdad no tuvo nombre hasta harto después de que estuvo lista.
Es una canción más contemplativa. Incluimos a la Javi (J18) y al Luroo que cantan precioso, dos voces muy bacanes que funcionaron súper bien de la mano de la voz de Maite como guía. Queríamos que hablara sobre los sueños, se alejara de lo que llevábamos en estas cuatro canciones, de lo súper aterrizado y el sentimiento firme. Esto es más etéreo.
M: Es de algo mucho más liviano. Si bien nosotros en Amuleto hablamos sobre la vertiente, desde una posición mucho más frágil y vulnerable que en 1DESTELLAR. En Amuleto es como “hoy esto nos va a dejar, ¿qué vamos a hacer?” Y en 1DESTELLAR estamos flotando completamente. Hay mucha comodidad en ese lugar. Es ese disfrute y esa cosa más liviana del sentir, dejarse llevar, estar en un lugar cómodo y el sueño está ahí flotando.
B: Eso está muy representado en la producción, en los conceptos y el imaginario del tema, sean los destellos, las luces, el agua que se ve en el visualizer y los brillos. La canción también está llena de arreglitos luminosos. Es un respiro.
la cultura del hit
H: Es una especie de manifiesto muy crudo, poco pensado. Más allá de la propiedad lírica, es un vómito de un sentimiento que habla sobre la cultura del hit que es una cosa que nos pasa de lo que sucede hoy en día con la música. El hit, un golpe de un momento, de la música como un momento, de lo esquivo que somos a eso. Vemos la música como algo de vida y un elemento que te acompaña.
Es un desquite sobre la forma en la que funciona la industria, sobre lo que sucede con directamente todos los one-hit-wonders (…) que generara cosas, fuera directo, esa era la intención, de que tuviera llegada por lo impactante más que por lo elaborado.
HABIBI FUNK
B: Es un momento en el que tenemos esa confianza que vamos encontrando poco a poco (…) muy a través del movimiento y dinamismo desde el esfuerzo.
Tiene tres partes distintas y una estructura bien rara. Sacaba mucha influencia con esta imagen del desierto con el habibi funk, que es un subgénero de funk egipcio que he escuchado mucho tiempo y me gusta mucho. A partir del funk, viene más desde el jazz-funk clásico. Tiene hartos sonidos de los 70’s, una interpolación de un tema que se llama “Nights Over Egypt” que es un disco-funk de los 80’s con esta volá media árabe, un solo. Hay un sample de “It’s Just A Natural Thing” de Patrice Rushen que es funk de los 70s. Es un funk lleno de cosas.
H: “Es un punto a la mitad del disco para recordarte de lo que somos también (…) Es una canción arriesgada.
M: Es agrandarse dentro de lo que estamos haciendo también, y esa seguridad (…) gozándola totalmente.
Vertientes
M: Tiene una vibra completamente distinta a Habibi Funk. Vertientes es de los puntos más densos que tiene el álbum en términos de sentimiento. Tiene que ver con los dolores de ser, una emocionalidad, una cosa muy frágil, de sentir harto. Pasa que con la canción del Balta él tiene serpientes y se posiciona de una forma en la que es muy positivo, y Vertientes es al revés. Debería ser algo muy luminoso y bacán, pero es doloroso. Habla de esa duda, del camino desde un lugar muy frágil de posicionarse.
B: Es una pieza musical. Tiene violines, flauta, muchísimos arreglos (…) acordes súper disonantes, tiene algo muy de ensueño en un sentimiento medio inestable, medio tenso y bien frágil.
parte del cielo
B: Está muy en línea con Vertientes. Esos dos temas son la parte densa del disco. Donde se nubla un poco la vista, cómo nos come la ansiedad y las inseguridades. La armonía también es bien densa, un poco más oscura. Si bien tiene una parte muy linda, el coro es más desgarrador.
M: Es ese momento de duda máximo.
H: Es bien triste, pero no triste literal, sino de angustia y vacío. Y sigue también la línea de los puntos más fuertes del disco que son relacionados al aferrarse a las cosas, con todo lo que uno tiene.
GRAN TURISMO
H: Acá te sacamos rápido del mood de parte del cielo, que parte de una con esta hueá movida… aparte con la Kuina, que altiro hace ruido. Tiene esta agilidad distraída, pero que en verdad detrás tiene una reflexión densa de todo lo que está generando en ti el frenetismo, de lo que ocurre a tu alrededor, hasta que chocas nomás (…) Y aparte, es un Atlanta Bass, buenardo.
B: Nosotros queríamos hacer una analogía con la rapidez del mundo moderno y el parar de cosas que nos dejan descolocados. Hicimos una en relación a carreras y velocidad extrema. La instrumental tiene vibra de juego, como de Gran Turismo también. Aunque en sí, la narrativa es trágica, porque estamos impersonando a alguien que al final termina chocando. Por eso lo que suena al final del tema es un choque. Es un poco un clímax del disco. También hay una clara referencia/interpolación a “My Boo” de Ghost Town DJs.
M: Estábamos haciendo ese tema en mi casa, lo estábamos creando, y empezamos a cantar “At night, i think of you”, y de ahí intentamos pensar otras referencias que no fueran eso y no lo logramos. Dijimos, igual en volá lo interpolamos porque quedaba muy bien.
caminos
H: Es el último interludio del disco, lo personifico yo. Es un poco más literal que “vertientes” y “serpientes”. El camino es camino lo que atraviesas. Son muchas reflexiones que parten desde la expresión de la mano del espanto, de darse cuenta de lo que nos genera esto. Un stop antes de entrar hacia el cierre del disco, de por qué nos gusta tanto lo que hacemos y por qué estamos acá. Definitivamente no nos arrepentimos de tomar este camino, y este es el camino que nos gusta.
B: Te reencuentras con la seguridad y adquieres una claridad de nuevo.
despertar/reiterar
B: A partir de toda esta trayectoria y poniéndolo en perspectiva, es el llamado a despertar, salir y disfrutar y vivir (…) Por eso mismo también es tan bailable, tan arriba, porque es este sentimiento de liberación.
M: Llama a la acción, de esa seguridad, pero de forma más corporal. Es como un “dale no más”, una sensación de filo, hagámoslo porque tenemos ganas y corramos para allá.
H: Reiterar sigue siendo el mismo mensaje, pero es más bonito, reflexiona sobre la paz, no tener miedo, confiar, aunque también errar, despertar y reiterar, darte cuenta.
ONE TWO STEP
H: Fue volver a los orígenes, un boom bap súper G-Funk. El beat tiene esta vuelta atrás del hip hop, de este sonido súper familiar. Era volver a reencantar a quien estaba escuchando el disco hasta este punto, con algo mucho más familiar, más hiphopero, pero también tiene este coro muy denso que pone en la mesa muchísimas cosas de lo que ocurre en cuanto a nuestro contexto social, hacia la fe, hacia la falsa fe también que existe en la sociedad que te venden, una crítica a los medios de comunicación también que se fusiona con la cotidianidad del one two step por la cuadra de tu barrio, que es caminar en las calles y ser uno más, que tenemos algo que decir. Es algo importante que recordar antes de cerrar el disco, con todo lo que se entendió respecto al concepto. Termina tirándole la pelá a Kast.
B: Después de toda la victoria y de este espacio de confianza y claridad en el que ahora estamos, un poco como profetas, nos hace dar cuenta que hemos vuelto con toda la seguridad y volvimos a habitar nuestros espacios tal como desde el principio.
todo tiene que esperar
B: Es como el resumen del disco entero (…) Es encontrar la paz, que no tenemos las respuestas de todo, todo es cíclico, todo tiene su momento en la vida. Entenderlo y apreciarlo es esta reflexión final que va muy bien como el concepto del disco y la vida en general.
Tiene muchas partes distintas y teníamos ganas de hacer un gran gran final. Es muy R&B esta canción al principio, tiene muchísimos coros, pero igual tiene este elemento como introspectivo, reflexivo, calmado. Y si bien tiene muchas partes de trance, también muchas partes muy intensas. Una catarsis, un clímax medio jazz fusión en un momento porque simboliza todo el viaje que fue el disco con sus altos y bajos. De ahí termina con un cierre super etéreo, con mucha armonía, un cierre muy hermoso y muy desde la paz.
M: Es completamente el cierre de todo. Fue también el último tema que hicimos, entonces tiene una sensación de resolución y es un poco más conclusivo de todo (…) encapsula un poco todo y hablamos sobre que todo tiene que esperar. Que nada es mejor o peor. Al final el buscar la vertiente y todo, es parte de. El pasarla muy mal y tener momentos en los que uno pierde es muy parte de. Hablamos de que se tiene que pasar por todos esos procesos y van a seguir pasando, que es como algo completamente circular. Uno va a llegar a un momento en el que va muy tranquilo y después de nuevo viene esa parte de detenerse, de transitar, más o menos a ver a dónde uno va.
H: Creo que algo muy importante y muy lindo que tenemos que decir sobre este último tema es que nos dimos cuenta de que todo tiene su momento, su porqué y es una manera de decir que no guardamos rencor, dar a entender que entendemos todo lo que transitamos a lo largo del disco hasta ese punto. Era para darle ese sentido circular al disco, de que a medida lo íbamos haciendo nos dábamos cuenta de que el principio era el final y el final era el principio. Es un ciclo en el que te tienes que embarcar y enamorarte del proceso una y otra vez.
Deja la puerta entra abierta para hacerte entender que terminó el disco, pero hay algo que no terminó tan bien.
