Ellos no sabían que todo iba a ser tan efervescente ni que iban a tener que hacer malabares entre la presión de no echarse ningún ramo, trabajar y las múltiples tareas que conlleva hacer funcionar un proyecto musical. Tampoco sabían que serían el foco de memes.
Cuatro de ellos se conocieron en la carrera de psicología, en la que, actualmente, cursan su último año. “Ha sido súper difícil equilibrar las cosas, estamos en una parte de la carrera que si nos atrasamos con un ramo nos atrasamos un año entero”, cuentan.
Así y todo, con la asistencia obligatoria respirándole en la nuca y un evidente burnout, la hicieron. Y como resultado son los creadores de La Brea (2025) uno de los álbumes debut más llamativos de la década, tanto nacional como internacionalmente.
Se sabe un montón del álbum, influencias, concepto, recibimiento y alcance, la información está en todos lados. Pero ¿hay algo que no les guste de publicar música? Dos cosas respondieron. La primera, la escasez de tiempos y no poder dormir un domingo hasta tarde porque hay ensayo. La segunda, el trabajo de instrumentalizar un trabajo para hacerlo producto. En resumen: todo lo que no sea tocar.
Dicho eso, y con la intención de escarbar más información del aclamado álbum, nos infiltramos en un ensayo de la banda en su propia sede. Así es, en conjunto a un fotógrafo del medio independiente hermano, Expectador, nos trasladamos hasta La Florida para presenciar un ensayo de Hesse Kassel, quienes nos recibieron con un vaso de bebida.
Un dato curioso como tentempié: “Anova”, “Americana” y “En Tiempo Muerto” comparten espacios comunes en su composición que refieren mucho a una primera etapa de la banda. Esto porque empiezan con una nota alta, bien arriba. Más adelante se comenzó a experimentar más y la banda dejó de hacer eso.
Recomendamos leer esta entrevista escuchando “La Brea” (2025). Ponle play y disfruta…
Postparto
Fue la primera canción que nos abrió una nueva dinámica de composición, porque antes todo era bien direccionado por Renatto y Postparto es un reajuste de cosas que Mauro presentó, Renatto acomodó y después en conjunto se transformó.
Sobre por qué abrir el álbum con esta canción tiene una respuesta muy sencilla: no estaba presupuestada que estuviera. De hecho, salió mientras estábamos ensayando para grabar el disco, fue para distender. Al final nos calentamos y fue como “ya, grabémoslo y abramos el disco con esta”. Igual fue una decisión que tomó harto rato, pero quedó porque Renatto sentía que no proponía nada distinto al resto del disco, y para el siguiente no queremos seguir sonando de esa forma.
Es como una declaración de intenciones, empieza súper piola, tiene una parte súper noise, otra media jazzera y así. Y bacán tenerlo como primer track, como carta de presentación porque es como un resumen del disco, como “21st Century Schizoid Man“, la canción con la que King Crimson abre el In the Court of the Crimson King (1969).
La composición responde a una lógica de quién se especializa más en su sonido, no de cohesión ni de sonar más a HK, sino de a qué quiere sonar cada uno. Por ejemplo unos son más capos para cosas melódicas, otros para cosas rítmicas u otros más armónicos entonces uno hace algo y el resto lo expande para hacer algo que nos hace sentir cómodos a todos.
Cuando la presentamos en vivo notamos que tenía una energía con la que el público conectaba más que con cualquier otro. Además justo tiene esa wea de que la letra tiene rimas consonantes (“ar”, “ser”), que hacen más recordable la canción por su repetitividad.
Datos curiosos: para la grabación Renatto tenía bigote y Joaquín tenía un cabestrillo porque nos quedamos carreteando en una tocata de la FEN, donde al final no tocamos, ahí se sacó la mierda y se luxó el brazo luego de surfear por la tierra en una bajada.
Anova
Mucha gente piensa que es una canción de amor, la letra funciona para interpretarse de muchas formas. Pero realmente habla del desapego que se vive cuando un hermano se va de la casa. Tiene ese aura de sonar lindo y solemne, pero habla mucho de extrañar a alguien, desde un amor fraternal, como un “Wish You Were Here” de Pink Floyd.
Originalmente era corto, hasta que Mauro propuso una idea que dio pie a la expansión. Fue un acierto porque quedó la parte más icónica del tema. Pretendía ser una canción pop de tres a cinco minutos porque, en un esfuerzo por ser precisos, queríamos hacer un tema corto, pero salió largo igual.
Los arreglos de saxofón estaban compuestos de hace rato y como no se puede cantar y tocar al mismo tiempo, el grabar por pista facilitó todo. En algún show futuro nos gustaría tener un saxofonista de sesión para esa parte.
La melodía del coro está muy basada en “Un Amor Violento” de Los Tres.
Americana
Temazo. Esta canción fue el último intento por mantener viva una banda del colegio, le encontramos potencial como para retomarla. Mantuvimos la primera mitad, con sus versos y coro, y el resto lo cambiamos.
HK en su principio siempre fue una banda muy rítmica y melódica, mucho de hacer estructuras de notas y notas rápidas que vayan creciendo. Hasta que en una época nos enamoramos de los acordes con novenas y ahí hicimos la primera parte “Diciéndome a mí”.
Le agarramos cariño con el tiempo porque, al ser de las primeras canciones que hicimos, es un “Aquí partimos”. La tocábamos harto porque era lo que teníamos, nos quemamos mucho con ella.
En tiempo muerto
Este es de los temas más antiguos, la idea general estaba maqueteada en el proyecto solista de Renatto. Era muy parecido, duraba entre seis y siete minutos para ese entonces ya que no tenía la intro instrumental ni la última parte.
Después tuvo una segunda versión, fecha en Vivario Estudio. Es una versión mucho más a pelo que nos sirvió para probar, estábamos súper nerviosos y se nos hizo frustrante la grabación porque teníamos una idea de canción pero no sabíamos cómo plasmarla. Pero lo pasamos súper bien, fue nuestra primera vez en un estudio y nuestra primera inversión como banda, nos sirvió para darnos cuenta que debíamos grabar el disco con metodología en vivo. Como anécdota, después de la jornada asaltaron al Lalo.
Para ese entonces era nuestro tema más fuerte. Tiene una referencia a todo el webeo con Black Country New Road y otra al disco homónimo de Lucybell.
En Vivario Estudio fue grabada con metrónomo, pero en la grabación del disco no.
Moussa
Temazo. Es buena, es nuestro mejor tema, el más largo del disco. Muy inspirada en Lift to Experience.
Fue un tema muy importante en su tiempo, básicamente el standar para presentarnos hacia afuera, el setlist siempre era “Postparto”, “Moussa” y “Yo La Tengo”. La estrenamos en Bar Clavero 46 (Puente Alto, Santiago) frente a dos personas y nuestros amigos que nos acompañaron, lo pasamos increíble esa noche y nos pagaron con una -única- chela de litro y medio para todos.
La hicimos una vez ensayando en la u, la primera versión fue con una batería trip hop que hizo Luca, porque no estábamos todos. Esa fue la primera vez que pensamos en que alguien más cantara en la banda.
Tiene la primera letra que escribió Renatto en su vida y está en la misma afinación que “Jigsaw Falling Into Place” de Radiohead, salió a partir de un juego con la canción ya que varios nos la sacamos.
Vida En Terranova
La idea rítmica de la canción está muy inspirada en “Cotidiano” de Chico Buarque.
La intro está en escala armónica menor, inspirada en Rosalía, la música flamenca y la música gitana. Aunque no lo parezca, Hesse Kassel tiene mucho de la música gitana, sobretodo en las guitarras, porque el jazz gitano está muy basado en las guitarras y todas estas técnicas de trémulo. Tanto la intro de “Vida En Terranova” como de “A. Latur” están basadas en eso.
Algo no menor es que con esta canción aprendimos a manejar las dinámicas, porque eramos todo el rato muy fuertes. Ahí cachamos que si se es más cuidadoso y hay silencios, la wea es mucho más rica.
A. Latur
Se llama así por un gran amigo de nosotros de la universidad. En mi cabeza sonaba como “Jason Torelli” de Akinetón Retard.
Antes se llamaba “Instrumental” y él aparecía en la portada del single. La terminamos bajando porque sonaba horrible, fue una grabación que nos salió gratis por Matta Sur.
Este tema tiene un sample de un video de 70 visitas de Tailandia donde abrazan a un chancho que grita que distorsionamos. También tiene sampleado zorros, un metro y un cocodrilo partiendo una tortuga.
Por ahí hay una versión en vivo.
Yo La Tengo
Cerramos el disco con esta canción porque es con la que cerrábamos en las tocatas, es como parte nuestra, nunca fue un cuestionamiento. Estuvimos más de 1 año y medio cerrando con esta y siempre la tocamos, no podíamos dejarla de lado. También bajo el argumento de decir “ya no quiero escuchar nada después de esto” por lo ruidosa que es. Cualquier cosa después de esto será muy anticlimático.
Aparte, el disco también como es tan poco consistente en sonido, la única consistencia que se nos ocurrió darle era verlo como un espectro donde partieran en un punto alto, se fuese como piola en cuanto a lo melódico y rítmico y después subir hasta el final, como una curva de principio a fin.
Es el tema más inmersivo y cinematográfico que tenemos y lo compusimos entre todos. Antes era muy diferente, llegó a durar 20 minutos, pero salió bien. Está basada en la escena final de “The Lighthouse”, acá gritamos mucho. Hay 3 baterías y grabamos hartos platillos juntos que suenan como un helicóptero.
Es buena porque, como tiene partes lentas y muy fuertes, permite dejar la cagada en un show para cerrar arriba con gags salseros. Es como un tema de webeo donde lo pasamos más bien, el más relajado y distendido. Da lo mismo si te equivocas.
La canción se llama así por la banda, nada trascendental respecto a la banda más que es bacán el nombre.
Hesse Kassel – La Brea (2025)
Créditos álbum (2025)
Grabación por Emanuel Irarrázabal y Juan Diego Soto en CHT Estudios, FAT MASTER y El Tercero.
Asistencia de grabación por El Zorro
Mezcla por Juan Diego Soto
Masterización por Emanuel Irarrázabal en FAT MASTER
Foto portada por Kiara Hurtado (@kaleidoscopia__)
Edición de portada por Gabriel Jiménez (@cumlordgabi)
